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O artista italiano Federico Babina compartilhou conosco seu mais recente trabalho de ilustração arquitetônica. Archivoid procura "esculpir massas invisíveis de espaço" através da leitura de negativos - usando a linguagem arquitetônica de arquitetos famosos do passado e do presente, de Frank Lloyd Wright a Bjarke Ingels.

As imagens de Babina criam um ponto de vista inverso, uma inversão de percepção para uma leitura alternativa do espaço e da própria realidade. Fazendo do espaço negativo seu protagonista, Babina traça as “pegadas arquitetônicas” de arquitetos famosos, unindo misteriosas geometrias com uma combinação de cores vibrantes.

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A Escola de Arquitetura da Universidade de Yale estava em meio a uma revolução pedagógica quando Louis Kahn ingressou em 1947. Com o arquiteto de arranha-céus George Howe como reitor e modernistas como Kahn, Philip Johnson e Josef Albers como palestrantes, os anos do pós-guerra em Yale foram para longe da linhagem das Beaux-Arts da escola em direção à vanguarda. E assim, quando a consolidação dos departamentos de arte, arquitetura e história da arte da universidade exigiu em 1950 um novo edifício, uma estrutura modernista foi a escolha natural para concretizar uma partida instrucional e estilística do historicismo. [1] Concluído em 1953, o edifício da Galeria de Arte da Universidade de Yale, de Louis Kahn, forneceria espaços flexíveis para galerias, salas de aula e escritórios para a escola; ao mesmo tempo, a primeira comissão significativa de Kahn sinalizou um avanço em sua própria carreira arquitetônica - uma carreira agora entre as mais celebradas da segunda metade do século XX.

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Algumas das mais importantes obras de arquitetura ao longo da história da humanidade se devem à religiosidade e espiritualidade do ser humano. Ao longo das últimas décadas, um crescente número de pessoas têm se importado cada vez menos com as práticas religiosas no sentido mais tradicional, isso não significa que a maioria delas seja completamente cética, mas o fato é que muitos destes monumentos arquitetônicos têm lentamente começado a perder parte de seu significado. Aquilo que Louis Kahn chamou de “imensurável” e Le Corbusier se referia como “inefável” estaria deixando de ser relevante para as pessoas?

A proposta do Vaticano para a Bienal de Veneza de 2018 - primeira participação do país no mais importante evento de arquitetura do mundo - é apresentada como “uma espécie de peregrinação não apenas religiosa, mas também cética”. Com isso, está cada vez mais evidente que o papel dos espaços “religiosos” está se transformando pouco à pouco, de espaços iconográficos para ambientes mais ambíguos que procuram refletir a "espiritualidade" de uma maneira mais ampla.

E o que isso significa? Ainda há espaço para a espiritualidade na arquitetura? É possível criar espaços religiosos abertos para pessoas de diferentes crenças e até mesmo para aquelas mais céticas? E o que faz com que um espaço seja dotado de "espiritualidade"?

Em 1961, o arquiteto Louis I. Kahn foi contratado pela Fine Arts Foundation para projetar e desenvolver um grande complexo de artes no centro de Fort Wayne, Indiana. O ambicioso Centro de Belas Artes, agora conhecido como Arts United Center, atenderia a comunidade de 180.000 pessoas oferecendo espaço para uma orquestra, teatro, escola, galeria e muito mais. Como um Lincoln Center em miniatura, os desenvolvedores esperavam atualizar e melhorar a cidade através de uma nova arquitetura cívica. No entanto, devido a restrições orçamentárias, apenas uma fração do projeto total foi concluída. Esse é um dos projetos menos conhecidos de Kahn, que durou mais de uma década, e seu único edifício no Centro-Oeste dos Estados Unidos.

O arquiteto britânico Sir David Adjaye, diretor e fundador da Adjaye Associates, será homenageado como o Prêmio Louis I. Kahn Memorial deste ano pelo projeto do Centro de Arquitetura e Design da Filadélfia. O evento celebra as contribuições significativas para o campo da arquitetura todos os anos, além de relembrar as importantes conquistas do seu mais influente arquiteto, Louis Kahn.

Entre outros arquitetos recentemente condecorados estão Bjarke Ingels, Norman Foster, Peter Bohlin, Daniel Libeskind, Robert A.M. Stern, Rafael Viñoly e César Pelli.

Em 1959, Jonas Salk, o homem que descobriu a vacina contra a poliomielite, aproximou-se de Louis I. Kahn com um projeto. A cidade de La Jolla, na Califórnia, forneceu-lhe um local pitoresco ao longo da costa do Pacífico, onde Salk pretendia fundar e construir um centro de pesquisas biológicas. Salk, cuja vacina já havia tido um impacto profundo na prevenção da doença, estava convencido de que o projeto para essa nova instalação deveria explorar as implicações das ciências para a humanidade. Ele também tinha uma diretriz mais ampla, se não menos profunda, para o arquiteto escolhido: "criar uma instalação digna de uma visita de Picasso". O resultado foi o Instituto Salk, uma instalação elogiada por sua funcionalidade e estética impressionante - e a maneira pela qual cada um suporta o outro. [1,2]

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B.V. Doshi, um dos praticantes mais célebres da arquitetura indiana moderna, nasceu em Pune, na Índia, em 1927. Quase 90 anos depois, o júri do Prêmio Pritzker escolheu-o como o laureado de 2018. Conheça a história de Doshi - incluindo seu relacionamento íntimo com o lendário Le Corbusier - nesta lista de fatos interessantes.

O júri do Pritzkter deste ano escolheu o arquiteto indiano Balkrishna Doshi, conhecido como B.V. Doshi ou Doshi, como vencedor do Prêmio Pritzker 2018. Estudante e colaborador de Le Corbusier e Louis Kahn e em atividade há mais de 70 anos, a arquitetura poética de Doshi se baseia em influências das culturas orientais, resultando em uma obra que "tocou vidas de todas as classes socioeconômicas em um amplo espectro de programas desde a década de 1950 ", disse o júri. Doshi é o primeiro arquiteto indiano a receber a maior honra da arquitetura.

Um dos projetos mais impressionantes e menos conhecidos de Louis Kahn, a sala de concertos flutuante conhecida como Point Counterpoint II, corre o risco de ser demolida, segundo o jornal Pittsburgh Post Gazette.

Construído entre 1964 e 1967 como parte das celebrações do Bicentenário Americano, a embarcação de 195 pés de comprimento já foi usada como a residência aquática da American Wind Symphony Orchestra (AWSO), permitindo que o grupo levasse seu palco a locais tão distantes como Paris e São Petersburgo, na Rússia. Além das com portas e escotilhas circulares, a estrutura conta com um palco de 22 metros de largura que pode ser aberto e fechado usando um sistema de suspensão hidráulica.

Os arquitetos famosos são muitas vezes vistos mais como enigmas do que como pessoas mas, mesmo assim, os maiores nomes escondem escândalos e tragédias da vida cotidiana. Como celebridades, muitos dos mais famosos arquitetos do mundo enfrentaram rumores e, até hoje, há dúvidas sobre a verdade de alguns de seus assuntos particulares. Clientes e colegas que frequentavam seus estúdios puderam ver um pouco de suas vidas pessoais, mas, às vezes, a força da personalidade que muitas vezes vem com gênio criativo impede uma percepção mais detalhada. No entanto, o fato é que a vida desses arquitetos era mais do que a soma dos seus edifícios.

O Museu de Arte Kimbell de Louis Kahn é uma obra prima da iluminação natural, com abóbadas feitas com cascas de concreto que apresentam aberturas sutis para refletir a luz nas galerias. Ao passo que a ala de Kahn para o museu de Fort Worth foi inaugurada em 1972, em 2013 um segundo pavilhão - projetado por Renzo Piano - foi acrescentado ao complexo. Piano foi escolhido para projetar o pavilhão pois havia trabalhado para Kahn no início de sua carreira, e a homenagem a seu mentor é evidente na organização similar do edifício e no uso de painéis translúcidos de vidro.

Nesta segunda edição de sua coluna "Beyond London" para o ArchDaily, Simon Henley, da Henley Halebrown, de Londres, discute uma possível influência que pode ajudar os arquitetos do Reino Unido a combater a hegemonia econômica que atualmente aflige o país - voltando-se para a orientação moral dos brutalistas da década de 1960.

Antes do Natal, eu terminei de escrever meu livro intitulado Redefining Brutalism. Como o título sugere, estou buscando redefinir o assunto, desintoxicar o termo e encontrar relevância no trabalho, e não apenas um motivo para nostalgia. O Brutalismo concreto é, para a maioria das pessoas, um estilo que você ama ou odeia. Mas o Brutalismo é muito mais do que apenas um estilo; é um modo de pensar e fazer. O historiador e crítico Reyner Banham argumentou em seu ensaio de 1955 e no livro de 1966 intitulado The New Brutalism: Ethic or Aesthetic que o Novo Brutalismo começou como um movimento ético para depois ser entendido como um estilo. Hoje, é um espelho a ser erguido para a arquitetura do neoliberalismo, para uma arquitetura que serve ao capitalismo. Mais do que nunca, a arquitetura é associada à marca dos grandes arquitetos cujo trabalho tem pouco a ver com os desafios que a sociedade enfrenta, que hoje não são muito diferentes daqueles enfrentados pela geração do pós-guerra: construir casas, lugares para aprender e trabalhar, lugares para aqueles que são mais velhos e doentes, e lugares para se reunir. Podemos aprender muito com essa geração passada.

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Em homenagem à vida de Louis Kahn, que faria aniversário hoje, o fotógrafo Laurian Ghinitoiu visitou o Instituto Indiano de Administração em Ahmedabad - um dos projetos seminais do arquiteto, que só foi concluído após sua morte, há quatro décadas.

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Os arquitetos famosos são fáceis de admirar ou repudiar quando vistos de longe, mas de perto, hábitos estranhamente humanos muitas vezes vêm à tona. Embora todos nós tenhamos nossas peculiaridades, estes hábitos, vindos de profissionais mundialmente reconhecidos, desvelam seu lado humano que, muitas vezes, não dão nenhum indício de como eles se tornaram figuras tão notáveis no campo da arquitetura. Os seguintes hábitos de vários arquitetos renomados revelam partes do seu processo criativo, momentos de relaxamento ou, simplesmente, partes de sua identidade. Alguns são inspiradores outros surpreendentes, mas todos dão uma pequena visão sobre as qualidades mentais necessárias para se atingir o topo da profissão de arquiteto -  desde um trabalho excepcional até uma pitada de excentricidade (e algumas qualidades ainda mais interessantes) .

Para Paul Lewis, Marc Tsurumaki e David J. Lewis, o corte "é muitas vezes entendido como um tipo simplificado de desenho, produzido no final do processo de concepção para descrever condições estruturais e materiais para a etapa da construção." Esta é uma definição muito familiar para a maioria das pessoas que estudam ou trabalham com a arquitetura. Muitas vezes pensamos primeiramente na planta baixa, pois nos permite abraçar as expectativas programáticas de um projeto e fornecer um resumo das várias funções necessárias. Na idade moderna, programas de software de modelagem digital oferecem cada vez mais possibilidades quando se trata de criar objetos tridimensionais complexos, tornando o corte uma reflexão ainda mais tardia.

Com o seu Manual do Corte, os três sócios fundadores do LTL architects apresentam o corte como uma ferramenta essencial no projeto arquitetônico, e vamos admitir isso, essa leitura pode fazer você mudar de ideia sobre o tema. Para os co-autores, "pensar e projetar o corte requer a construção de um discurso sobre ele, reconhecendo-o como um local de intervenção." Talvez, na verdade, precisamos entender as capacidades dos desenhos em corte tanto para usá-los de forma mais eficiente, quanto para desfrutar ao fazê-los.

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Lorena Darquea, fotógrafa e arquiteta equatoriana, compartilhou conosco uma série exclusiva de fotografias que documenta a espacialidade e vitalidade da obra póstuma do mestre Louis Kahn: o projeto para o Four Freedoms Park em Nova Iorque.

Construído quatro décadas após o falecimento do arquiteto, este espaço público não é apenas um monumento a Franklin D. Roosevelt e sua importância política nos EUA, mas também constrói a imagem de um espaço com "a sensação de um antigo recinto de um templo" e "uma paisagem cuidadosamente matizada", descreve Oliver Wainwright, editor do The Guardian, em um artigo publicado no jornal.

Veja mais imagens, a seguir.

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Ver o nascer do sol no Salk Intitute for Biological Sciences de Louis Kahn é, sem dúvida, uma das experiências arquitetônicas mais transformadoras. O famoso edifício, cenário de muitos filmes e ensaios fotográficos, se tornou um símbolo de serenidade na arquitetura graças a sua impressionante simetria, uma qualidade superada apenas por sua belíssima localização com vistas para San Diego, Califórnia. Construído em 1962 e declarado patrimônio nacional em 1991, o projeto de Kahn mostra um desejo de expressar seu estilo formalista com forte apelo espiritual. O edifício deriva dos Estilo Internacional e do brutalismo e assume um papel simbólico central como centro de descobertas biológicas.