Em geral, as publicações e as discussões de arquitetura radicam em análises da forma, sejam estas janelas, portas, interiores, exteriores ou projetos completos; em suma, a análise dos volumes arquitetônicos que conformam a obra propriamente dita.
O desenvolvimento arquitetônico da obra é uma leitura, uma interpretação da realidade atual. É a "atualidade" versus o talento próprio do arquiteto-artista que, finalmente, se expressa na forma de um projeto arquitetônico por materializar-se, é a obra de arquitetura proposta e, em muitos casos, realizada. No entanto, a teorização ou reflexão abstrata sobre "campos relevantes para a arquitetura" propõe novas oportunidades de abertura no exercício da profissão e do ofício, que permitem novas formas de projetar tanto no imediato quanto no futuro.
https://www.archdaily.com.br/br/900487/por-que-e-necessario-teorizar-a-arquitetura-hojeGonzalo Martínez de Urquidi
O Colégio de Arquitetos de Madri (COAM) acaba de publicar a primeira parte do processo de digitalização da revista Arquitectura, disponibilizando à todos uma das publicações mais importantes e influentes do panorama arquitetônico do século XX na Espanha, a qual se converteu em uma referência para o debate, o pensamento e a atividade profissional de arquitetos, urbanistas e profissionais de outros setores relacionados.
Fundada em 1918 como publicação oficial da Sociedad Central de Arquitectos, a revista ARQUITECTURA, converteu-se na primera publicação livre da imprensa arquitetônica espanhola. Entretanto, durante a guerra civil espanhola a sua publicação foi suspensa e posteriormente adaptada, sendo editada pela Direção Geral da Arquitetura, órgão do Ministério do Governo, como Revista Nacional de Arquitectura, a qual foi publicada periodicamente até 1946.
https://www.archdaily.com.br/br/896935/revista-arquitectura-baixe-gratuitamente-todas-as-edicoes-da-principal-publicacao-de-arquitetura-da-espanhaJavier García Librero
Esperávamos que ele retornasse no começo dos anos 2000. Foi celebrado na exposição “Postmodernism: Style and Subversion, 1970 – 1990” no Victoria & Albert Museum em Londres no ano de 2011. Agora, mais do que nunca, depois de ouvirmos pela enésima vez sobre uma possível "retomada do pós-moderno", finalmente podemos afirmar: o termo "pós-modernismo" voltou para ficar. Embora a expressão esteja na moda no mundo da arquitetura, seu significado não é suficientemente claro para a maioria das pessoas. Na verdade, ela vem sendo utilizada para se referir aos mais variados significados: arquitetos tem usado o termo "pós-moderno" para definir projetos "na moda", alguns críticos a utilizam para descrever tudo o que é colorido demais, ao passo que alguns teóricos a têm usado para afirmar que, conceitualmente, a arquitetura foi subjugada à tecnologia ou ao seu puro formalismo, transformando-se em nada mais que uma caricatura de seus pressupostos valores morais.
Concordando com isso ou não, precisamos todos refletir sobre o que atualmente significa o "pós-modernismo" na arquitetura. Afinal, se voltamos a utilizar com frequência um dos termos mais mal interpretados e contraditórios já introduzidos em nosso campo, devemos ao menos ter consciência de seu real significado.
Se tivéssemos que identificar, categorizar e mapear os escritórios emergentes de arquitetura do século XXI ao redor do mundo, e apresentá-los em um diagrama único, como ele seria? Considerando que o exercício profissional da arquitetura consiste em múltiplas abordagens, atitudes e posturas políticas distintas, como seria possível abranger todas elas? E como seria possível, de centenas de escritórios e empresas emergentes no todo o mundo, não deixar ninguém fora?
É seguro dizer que arquitetos, acadêmicos, críticos e até mesmo o público têm discutido sobre os méritos dos estilos arquitetônicos há séculos. Mesmo durante o curso da minha própria carreira,o contemporâneo versus o tradicional travaram uma batalha sem cessar. Para melhor ou para pior, o contemporâneo geralmente ganhou como posição padrão para a maioria das escolas e publicações, provavelmente devido ao puro valor de entretenimento visual que oferece e aos seus dois lucrativos desdobramentos: obranding e a publicidade.
Gostaria de propor outra questão: que certos princípios duradouros da arte, diferente de qualquer estilo temporário— e, lembre-se, são todos temporários — devem ser nosso verdadeiro objetivo arquitetônico. Esta presunção significa que você deve ser agnóstico quando se trata de estilo e deixar de lado qualquer noção de uma posição ideológica em relação ao certo ou ao errado de suas preferências arquitetônicas. Há aqueles, é claro, que dizem que determinar que "minha arte" é melhor do que a sua, ou mesmo que é possível definir a arte real em primeiro lugar, é uma tarefa impossível.
Alguns anos atrás, ao visitar, ou melhor, explorar a Notre-Dame, o autor deste livro encontrou em um canto escuro de uma das torres, esta palavra esculpida na parede:
'ANÁΓKH
Estes caracteres gregos, escurecidos pelo tempo, e esculpidos profundamente na pedra com as peculiaridades de forma e arranjo comuns à caligrafia gótica realizada manualmente durante a Idade Média, sobretudo, o triste significado desta palavra foi o que mais impressionou o autor.
Este artigo foi publicado originalmente em guggenheim.org/blogs, sob o título "Wright’s Living Organism: The Evolution of the Guggenheim Museum," e é utilizado com permissão.
Em 1957, no canteiro de obras do Museu Solomon R. Guggenheim, o arquiteto Frank Lloyd Wright proclamou: "É tudo uma coisa só, integral, e não parte sobre parte. Este é o princípio pelo qual sempre trabalhei." O princípio a que Wright se referiu é a ideologia de projeto que desenvolveu ao longo de sua carreira de setenta anos: a arquitetura orgânica. No seu cerne, esse princípio era uma aspiração à continuidade espacial, em que cada elemento de uma edificação fosse concebido não como um módulo discretamente projetado, mas como um constituinte do todo.
Embora não seja a intenção de Wright por si só, é apropriado que o edifício que ele concebeu como um organismo vivo tenha evoluído ao longo do tempo. A integridade geral e a forma espiral que definem suas características permaneceram inalteradas, mas houve uma série de adições e renovações exigidas pelo crescimento e modernização da instituição.
A respeito do Pavilhão de Barcelona de Mies van der Rohe, sempre há algo novo a ser dito. Às vezes descobre-se um detalhe inédito, outras vezes se revela uma intervenção e, em outros casos, somos reapresentados ao pavilhão através das lentes de algum fotógrafo ou cineasta. Este é o caso de Fernando Ayuso, arquiteto e produtor audiovisual espanhol que prestou homenagem a esta emblemática obra do modernismo mundial.
Destacando a transformação urbana de Copenhague, analisando os equívocos do movimento moderno e abordando os desafios das cidades do século XXI, o arquiteto e urbanista dinamarquês, Jan Gehl, apresentou, no dia 29 de junho, a conferência Pensar en urbano: ciudades para la gente, organizada pela ONU-Hábitat no Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid (COAM).
Em sua conferência, Gehl exemplificou o paradigma urbano de sua época de estudante, o qual denomina Síndrome de Brasília:
Durante uma conversa com a New Yorker, um limpador de janelas que trabalhou no Empire State Building disse que alguns dos seus momentos mais difíceis teriam sido limpar o lixo que os inquilinos lançam pelas janelas. Em seus muitos anos trabalhando no arranha-céu da era da Depressão, ele encontrou inúmeros copos de café meio vazios nas janelas e até teve que limpar 20 potes de conserva de morango da fachada do prédio. Jogados para fora no inverno, eles grudam no exterior do arranha-céu.
Ver uma janela aberta em um arranha-céu parece ser uma peculiaridade, especialmente hoje, quando os gigantes de aço e vidro hermeticamente fechados oferecem a promessa de conforto climático controlado. Mas desde o Home Insurance Building de Chicago, inaugurado em 1884 e considerado um dos primeiros arranha-céus do mundo, o desafio da ventilação, resfriamento e aquecimento foi uma importante consideração da engenharia que ajudou a moldar a arquitetura moderna.
Os grandes edifícios comerciais da era moderna devem sua existência, em muitos aspectos, ao ar-condicionado, uma invenção com um legado decididamente ambíguo.
Barcelona é uma cidade cheia de ícones arquitetônicos, esplendor de uma era como quase todas as cidades europeias, o apogeu do modernismo catalão. Mas, onde está o limite entre arquitetura e esses ícones arquitetônicos? E entre arquitetura e turismo? Arquitetura e arte? Isso, se é que existe algum limite.
O espaço entre arquitetura e os meios reduziu-se a um ponto que é difícil distinguir um do outro. O poder de uma imagem tem distorcido a maneira como projetamos e fazemos arquitetura: exemplo disso é o crescimento destes chamados ícones arquitetônicos em todo o mundo.
Apoiado em uma ampla gama de softwares, o arquiteto espanhol David Romero recriou digitalmente uma série de obras emblemáticas de Frank Llody Wright: de duas delas só restam os escombros e uma terceira nunca foi construída. Nos referimos a três projetos nos Estados Unidos: o Edifício Administrativo Larkin (1903-1950), a Casa Rose Pauson (1939-1943) e a Capela Trinity (1958), respectivamente.
"As ferramentas de visualização 3D que temos raramente se dedicam a pesquisar o passado da arquitetura e existe um campo imenso para ser explorado", disse Romero sobre seu projeto Hooked on the Past em uma conversa com o ArchDaily em Espanhol. O arquiteto trabalha com os softwares AutoCAD, 3ds Max, Vray e Photoshop e se baseia em fotografas em preto e branco, croquis e plantas das obras.
Observando a paisagem arquitetônica atual é evidente que o tipo de trabalho que está atualmente ascendente, particularmente entre os escritórios jovens, é muito diferente do que era antes da crise financeira de 2008. Mas o que, exatamente, a paisagem arquitetônica se parece? Em um ensaio intitulado “Well into the 21st Century” na última edição da revista El Croquis, Alejandro Zaera-Polo delineou uma taxonomia da arquitetura do século 21, tentando definir e categorizar as várias novas formas de prática que têm crescido em popularidade nos anos desde, e como resposta política, à crise econômica.
As categorias definidas por Zaera-Polo abrangem sete posições políticas amplas: Os "Ativistas", que rejeitam a dependência da arquitetura em relação às forças de mercado operando amplamente fora dele, com foco em projetos de construção comunitária, envolvimento direto com a construção e financiamentos com estratégias não convencionais; Então há os "Populistas", cujo trabalho é calibrado para se reconectar com a população graças a uma abordagem mediática e diagramática da forma arquitetônica; A seguir estão os "Novos Historicistas", cuja reação ao "fim da história" saudado pelo neoliberalismo é um abraço do design historicamente informado; Os "Céticos", cuja resposta existencial ao colapso do sistema é, em parte, um retorno ao discurso crítico pós-moderno e em parte uma exploração da contingência e da brincadeira através de uma arquitetura de materiais artificiais e cores vivas; Os "Fundamentalistas Materiais", que retornaram a um uso tátil e virtuoso de materiais em resposta ao espetáculo visual da arquitetura de antes da crise; Praticantes da "Austeridade Chique", uma espécie de "normcore" arquitetônico (para emprestar um termo da moda) que se concentram principalmente no processo de produção e no desempenho resultante da arquitetura; E finalmente o "Tecno-Crítico", um grupo de práticas em grande parte produzindo arquitetura especulativa, cujo trabalho se baseia, mas também permanece crítico do parametrismo baseado em dados de seus predecessores.
Como prosseguimento desse ensaio, Zaera-Polo e Guillermo Fernandez-Abascal propuseram aplicar as categorias recentemente definidas às práticas emergentes de hoje com um diagrama de uma "bússola política". Eles convidaram escritórios a responderem sua categorização para desvendar as complexas interdependências e auto-imagem de suas posições políticas. Pela primeira vez o ArchDaily publica os resultados desse exercício.
Antigamente, o ensino e a prática da arquitetura estavam claramente alinhados: os elementos dos vários estilos podiam ser ensinados e colocados em prática. No entanto, no século XX, com a tecnocratização da construção civil, a teoria da arquitetura se tornou pluralista e quase esotérica; e a dicotomia entre educação e prática tem sido um tema controverso. Muitos que trabalham no setor da construção dizem que a educação falha em preparar os estudantes para o mundo real, enquanto que alguns acadêmicos, por sua vez, criticam as escolas de arquitetura por darem muita ênfase aos aspectos técnicos, desconsiderando a teoria.
No século XXI, esta dicotomia está, aos poucos, sendo superada pela internet, que oferece uma alternativa conveniente às universidades e escritórios, um ambiente onde os arquitetos podem se auto-educarem. Com isto em mente, queremos abrir a discussão com vocês, nossos leitores: quais são as coisas que vocês gostariam de ter aprendido na faculdade mas nunca tiveram a oportunidade? Há algo ligado à história e teoria que seja importante para a compreensão da arquitetura e que vocês só aprenderam depois de formados? Ou, talvez, aspectos e considerações técnicas que vocês tiveram que aprender do modo difícil?
Neste artigo, publicado originalmente em MetaSpace como "Assassin's Creed 2 - Arquitetos que fazem jogos de videogame", o arquiteto espanhol Manuel Saga entrevista sua compatriota María Elisa Navarro, professora de arquitetura com ênfase em História e Teoria, que trabalhou na companhia Ubisoft Montreal como assessora histórica da equipe de desenho do jogo eletrônico Assassin's Creed II, desde os primeiros esboços até seu lançamento em novembro de 2009.
Durante seu doutorado na Universidade de McGill (Montreal), em um projeto de pesquisa entre a instituição e a Ubisoft Montreal, María Elisa Navarro assessorou todo o processo de desenvolvimento do jogo eletrônico, trabalhando com "uma pequena equipe de 20 pessoas até chegar a mais de 400 em um sótão enorme em Montreal", quando o projeto era totalmente secreto e trabalhando desde o figurino do final do século XV até a correção de erros arquitetônicos nas cidades recriadas, passando por detalhes ornamentais e pelo aspecto das edificações.
"Às vezes, por jogabilidade, necessitavam ter paredes muito texturizadas para que Ezio pudesse escalar, mas na hora de planejar estes elementos eram cometidas imprecisões. Por exemplo, lembro de um balcão com uma varanda de ferro que não pudia existir naquela época. Eu era responsável por detectar estes problemas", afirma Navarro nesta conversa com MetaSpace.
Inspirado no ensaio de Despina Stratigako intitulado "Unforgetting Women Architects: From the Pritzker to Wikipedia", o ArchiteXX lançou o #wikiD, um evento global que coincidirá com o Dia Internacional da Mulher, no dia 8 de março. Com o slogan "Women. Wikipedia. Design", #wikiD convida as pessoas a "inscreverem na Wikipedia mulheres designers, arquitetas e todas aquelas envolvidas na criação de nosso ambiente."
Saiba mais sobre o evento e como participar, a seguir.
Usando a Austrália como foco, Marissa Looby, em um artigo recente para Australian Design Review, defende que o desaparecimento de estilos arquitetônicos, combinados à proliferação de vários guias e códigos de construção, criou uma nova geração de arquitetos: O Novo Pragmatismo Radical. Seu artigo "The New Radical Pragmatist (On Validation)" está reproduzido aqui.
The Architectural Review (Dezembro, 1955) artigo épico de Reyner Banham’s, ‘O Novo Brutalismo’, no qual a crítica apontava o surgimento de um novo estilo arquitetônico. Ele também descreveu uma afluência de "ismos" que se tornava cada vez mais conspícuo à disciplina, decorrente do então contemporâneo modelo de um historiados de arte e sua influência sobre o historiador de arquitetura como um observador da profissão. Banham sugeriu que qualquer proposição do termo "novo" tem uma relação equivocada com o passado, tanto que ao defender um novo "ismo", um teórico deve defender sua ideia com fatos históricos. Ironicamente, Banham reconheceu que até o título "O Novo Brutalismo" derivava da análise de The Architectural Review do International Style no artigo pós guerra ‘O Novo Empirismo’. Ele afirmou: "[a] habilidade de lidar com nuances tão finas de significado histórico é em si uma medida de nossa praticidade com o método histórico hoje, e o uso de frases do tipo "O Novo X-ismo" - onde X é qualquer adjetivo - se tornou lugar comum no início da década de 1950 em estúdios e outros lugares onde arquitetura é discutida, e não praticada."
Andrea Stinga, do OMBÚ Architecture, compartilhou conosco sua última criação em conjunto com o artista Federico Gonzalez: um vídeo que ilustra os cinco pontos da nova arquitetura de Le Corbusier em sua obra de 1929, a Villa Savoye.
